Módulo 2. Arte digital: Mejora de las competencias artísticas y digitales
para aumentar la empleabilidad y el aprendizaje permanente.
1. Introducción
En los últimos años, con la aparición de la tecnología digital en todos los ámbitos laborales, nuestra sociedad ha visto nacer nuevas profesiones. Hoy en día, la creación digital, que es el resultado de la intervención humana y de un dispositivo digital, es algo común y normal y tenemos que hacer frente a ello. De hecho, algunas personas se ganan la vida con el arte digital.
En realidad, se prevé un uso prolongado de la tecnología digital. En particular, el arte digital es una herramienta cada vez más importante para promover la creatividad y la expresión artística. De alguna manera, nos encontramos en medio de una revolución tecnológica y digital, por lo que es importante mejorar el potencial artístico y creativo de los jóvenes mediante el uso de técnicas y herramientas digitales.
Asimismo, es necesario enseñar y estar al día de las nuevas técnicas y estrategias digitales para promover el acceso al mundo laboral a través de la expresión artística mediante el uso de nuevos formatos digitales.
El sector artístico y digital está en pleno desarrollo y los puestos de trabajo son muy diversos. Pueden estar relacionados con la cultura, la artesanía, el entretenimiento, el sector audiovisual, multimedia, digital (animación, diseño gráfico, etc.). De hecho, las profesiones artísticas han sabido adaptarse, integrando las nuevas tecnologías y el sector digital, un sector de futuro, donde la creatividad será esencial.
Además, el sector digital se ha desarrollado considerablemente en los últimos años y se ha convertido en algo imprescindible en el mercado laboral.
Por lo tanto, al elegir este sector para realizar tus estudios o para tu integración profesional, aumentas tus posibilidades de encontrar un trabajo a largo plazo y de adquirir las competencias y los conocimientos específicos requeridos por la mayoría de los empleadores. En este campo hay muchas oportunidades porque las profesiones digitales tienen la particularidad de llegar a casi todos los sectores de actividad. Todo el mundo, en algún momento de su vida profesional, puede tener la necesidad de adquirir competencias digitales. Por último, tambien es importante decir que este sector ofrece la oportunidad de trabajar a nivel internacional.
2. Pixel Art
El Pixel Art es una forma de expresión muy divertida y te permite explorar tu imaginación mientras creas algo nuevo.
La técnica del Pixel Art consiste en crear una obra de arte píxel a píxel. La unión de varios píxeles acaba creando una imagen consolidada, es la misma técnica que el puntillismo ya que básicamente se diseña uniendo pequeños puntos, agrupándolos o separándolos por colores. La única diferencia son las herramientas utilizadas para su creación: El Pixel Art es una disciplina artística para la que se necesita un ordenador y varios programas gráficos ya que se crea en el ámbito digital mientras que el puntillismo se realiza de forma manual.
El Pixel Art proviene de los videojuegos «vintage», para consolas, PC o incluso teléfonos móviles. Su principal referencia es el juego «Pac-Man» – 1980. Con el paso de los años, las antiguas imágenes del Pixel Art de hace unas décadas han sido sustituidas por nuevas formas de diseño gráfico y visual. Hoy en día, la opción del Pixel Art es muy útil cuando no se requiere que la calidad de la imagen sea muy alta y así ahorrar recursos. Aunque el Pixel Art parece una técnica sencilla, lo cierto es que es una disciplina que requiere ciertos conocimientos. Se divide en tres categorías básicas que se distinguen fundamentalmente por el número de píxeles (8 bits, 16 bits y 32 bits) utilizados para conseguir el realismo necesario. Obviamente, más píxeles significan un mejor resultado. Recomendamos que las imágenes de píxeles no sean extremadamente grandes. 72 x 72 píxeles es suficiente para empezar con una figura sencilla. La creación de Pixel Art puede llevar bastante tiempo porque tenemos que colocar cada punto con su color adecuado en la posición correcta. Por lo tanto, si la imagen que queremos crear tiene muchos detalles nos puede llevar mucho tiempo terminarla.
A menudo, la paleta de colores en el pixel art es limitada. El método más utilizado para crear Pixel Art utiliza dos colores que repiten una secuencia de 2×2 píxeles en el área. Para obtener diferentes tonos, hay que ajustar la densidad de cada color. Otra forma de crear efectos interesantes es el uso de círculos. También es posible conseguir efectos atractivos utilizando la técnica del entrelazado estilizado, que debe distribuirse de forma aleatoria. Como vemos, el Pixel Art está compuesto por figuras geométricas y ante esta limitación, el artista que crea este tipo de imágenes suele enfatizar el uso de colores contrastados, para que su obra destaque. En realidad, el uso de colores brillantes es una obligación del Pixel Art. Es importante que la combinación de colores nos dé un resultado realista y que sea capaz de parecerse a las situaciones que estamos ilustrando.
El Pixel Art que creamos generalmente parte de una imagen llamada «Line Art», con la que definiremos los contornos de los personajes, escenarios y todo lo que necesitemos colocar en la obra. Es fácil de desarrollar pero también es una técnica que requiere de ciertos conocimientos, que si no tenemos, puede complicarnos y desmotivarnos por los malos resultados que podemos obtener. Algunos de los problemas con los que nos podemos encontrar a la hora de crear Pixel Art son, por ejemplo, la limitada paleta de colores con la que tenemos que trabajar, lo que nos obliga a realizar manualmente el efecto que solemos conseguir mediante el uso de una técnica llamada «Interlacing» o «Antialiasing», o tener que suavizar los bordes de las imágenes manualmente. El Antialiasing se refiere a los procesos que minimizan el aliasing, que es un efecto que se produce cuando diferentes señales no pueden mostrarse correctamente en forma digital. La técnica del Anti-Aliasing se suele realizar manualmente, lo que permite evitar los puntos no deseados suavizando las curvas y las transiciones de color.
Podemos diferenciar dos categorías de Pixel Art: Isométrico y no isométrico
- El Pixel Art Isométrico se dibuja en una proyección dimétrica isométrica. Esta técnica se puede observar en juegos en los que es necesario crear un entorno tridimensional y no se dispone de los recursos de hardware necesarios para conseguirlo.
- El Pixel Art no isométrico se dibuja utilizando vistas frontales o laterales, desde arriba o en perspectiva.
- Una vez creada la imagen, amplía la pantalla con el zoom para poder trabajar más cómodamente con la cuadrícula y los píxeles.
- Es muy importante seleccionar las herramientas adecuadas para dibujar. El «Lápiz», con un tamaño de un solo píxel, te permitirá capturar píxeles individuales en el dibujo.
- Los mejores formatos para guardar el pixel art son GIF o PNG.
El Pixel Art también tiene una excelente reputación entre los jóvenes artistas y diseñadores gráficos de todo el mundo, que ven en el Pixel Art una forma de expresión artística moderna y novedosa, entendida por todos, desde los que ya tuvieron contacto con los videojuegos clásicos, hasta los más jóvenes que ven en este tipo de juegos sencillos y sin complicaciones pero entretenidos.
Hoy en día, existe una tendencia entre muchos artistas y usuarios que ven esta técnica como una forma de arte muy interesante y que logran obras impresionantes con las herramientas de un programa de diseño.
Actividad 1
¡Empieza a hacer tus propios diseños de Pixel Art y siéntete como un artista de los videojuegos!
Intenta crear estas famosas figuras del juego Mario Bross con la ayuda de este programa : https://es.pixilart.com/draw
¡Empieza a hacer tus propios diseños de Pixel Art y siéntete como un artista de los videojuegos!
Intenta crear estas famosas figuras del juego Mario Bross con la ayuda de este programa : https://es.pixilart.com/draw
PASOS
- Primero, dibuja la forma externa
- Luego, dibuja las formas internas de la figura con los colores adecuados
- Por último, colorea tu obra de arte
CONSEJOS
- Haz zoom para estar más cómodo y evitar los píxeles no deseados
- Añade tu personalidad en tu diseño. ¡Un toque personal marcará la diferencia!
3. Edición de vídeo
No cabe duda de que la sociedad actual es muy audiovisual. Consumimos imágenes y vídeos en todo momento: vídeos musicales, anuncios publicitarios, series, reportajes periodísticos, documentales, cortometrajes y largometrajes.
Cuando hablamos de cualquier proyecto audiovisual podemos dividir su proceso en tres partes diferenciadas: la primera es la parte creativa, en la que se tiene la idea, se forma el guión y se buscan localizaciones y profesionales para desarrollarlo a todos los niveles (planificación); la segunda es el rodaje propiamente dicho (producción) y la tercera es la edición, también llamada montaje o postproducción. Las tres son igual de importantes, ya que un fallo en cualquiera de ellas puede perjudicar al proyecto. Cuando empezamos cualquier trabajo audiovisual, no sólo buscamos enseñar, sino también transmitir ideas y emociones que hagan que el espectador se sienta atraído por nuestro trabajo. Y esto lo conseguiremos con un buen montaje de vídeo.
Los editores de vídeo también son necesarios en los programas de televisión, en los informativos, en la industria musical, en la elaboración de páginas web, que cada vez utilizan más los vídeos en las redes sociales, en el ámbito institucional, en las agencias de comunicación… No se puede negar que el trabajo de postproducción es esencial en la industria audiovisual y que, año tras año, el sector audiovisual mueve un volumen de trabajo y dinero cada vez mayor. Por ello, el montaje de vídeo es esencial.
El término «edición» solía confundirse con la palabra «montaje» porque eran actividades similares, pero la edición se refería sólo al vídeo y utilizaba métodos técnicos diferentes a los del montaje cinematográfico. Con el nacimiento del montaje digital en los años 80, se fue abandonando el soporte físico. Finalmente, en el siglo XXI, la informática ha unido estos dos procesos.
El montaje de un vídeo es la parte final del proceso de producción donde se reúnen todas las imágenes que se han grabado y se da forma al discurso audiovisual del producto, ya sea de ficción, documental, informativo, etc. Este proceso consiste en realizar un montaje, es decir, unir unas imágenes recogidas durante la fase de rodaje con otras, eliminar las que no sirven, añadir efectos digitales, incorporar música o cualquier otro material para que tengan el sentido que habíamos pensado en la fase de creación.
Trabaja en estrecha colaboración con el director y bajo la supervisión del productor. Se encarga de unir las imágenes y los audios procedentes del rodaje hasta que la narración de la historia tenga el ritmo adecuado.
¿Cuántas veces has visto una película que te atraía mucho pero que era tan lenta que acababas durmiéndote? Eso puede ser un fallo en el ritmo de la historia. El editor de vídeo y audio se encarga de la imagen y de la yuxtaposición de los planos y, junto con el director de fotografía, tiene que conseguir que los colores de las imágenes sean los correctos. No hay nada que pueda escapar al ojo de un editor de vídeo. También se encarga del montaje de audio, de los efectos, susurros, palabras y silencios que hacen que nos emocionemos al ver la película.
Hay 3 elementos que dan lugar a la «receta audiovisual» perfecta:
- No basta con conocer los programas de edición de vídeo para hacer un buen trabajo. Como editor técnicamente cualificado, no dejes nada a la improvisación y cuida cada pequeño detalle para convertir tu trabajo de edición en una obra maestra.
- Se necesita un buen material. Evidentemente, poco podemos hacer si el rodaje del proyecto ha sido un desastre. Valora las posibilidades de cada pieza y qué puedes hacer con el montaje de aquellas partes que, desde tu punto de vista, no están tan bien.
- Un buen equipo técnico. Esta es la clave para poder desarrollar todo nuestro potencial. Disponer de un equipo equipado con After effects y Adobe Premiere, los dos programas más utilizados en la edición de vídeo hoy en día, es el punto de partida básico.
Para terminar, podemos definir al editor de vídeo como la persona que garantiza la calidad técnica y la comprensión de la película en la que está trabajando. Como apoyo del director, el montador es quien traduce una idea fuerte y da sentido a las imágenes.
4. Edición de foto
Hoy en día, hacer fotos es una actividad cotidiana para todo el mundo, ya que permite conservar los recuerdos para siempre. Muchas personas utilizan la edición de fotos para perfeccionar estos recuerdos. Los editores de fotos tienen una cantidad impresionante de beneficios y han revolucionado por completo el proceso tradicional de edición de fotos debido a su facilidad de uso y al increíble ahorro de tiempo que suponen. Hoy en día, es una herramienta indispensable tanto para los fotógrafos como para los que trabajan en el mundo del diseño, e incluso para los aficionados que disfrutan añadiendo efectos, citas y filtros a sus fotos. Aunque hay que tener cuidado con el uso excesivo de filtros o cualquier otra característica que pueda modificar nuestra imagen. Algunas personas utilizan la edición para crear una atmósfera concreta, para transmitir algo en particular, entonces modifican su foto para obtener un resultado muy diferente al de la foto tomada inicialmente. Existe un amplio abanico de posibilidades, donde los límites los ponen las personas en función del resultado que buscan.
Para los aficionados, los editores de imágenes ofrecen funciones básicas para mejorar la calidad de las fotos. Por ejemplo, las correcciones automáticas permiten optimizar ciertos parámetros como los colores, la nitidez y los contrastes, entre otros (sobreexposición, subexposición, falta de contraste, efecto de ojos rojos, etc.). Los filtros también pueden dar a la imagen un aspecto amarillento para que parezca más antigua, crear un relieve en la imagen o hacer aparecer una fuente de luz… Y a veces permiten a los usuarios añadir pegatinas, marcos y textos personalizados a sus fotos. Sin embargo, los resultados de estos programas pueden no satisfacer a un profesional. En el ámbito profesional, la edición digital de imágenes puede utilizarse para la manipulación intencionada de imágenes, por ejemplo, para publicaciones en revistas, catálogos, libros, etc. Rostros sin arrugas, pieles suaves, paisajes perfectos y otros son consecuencia del tratamiento digital, que borra cada vez más las fronteras de la realidad.
Lo más importante es hacer una buena foto. Y, si es necesario, mejorarla con ayuda digital. La posproducción de la foto será más fácil si la propia foto es buena. El uso de la edición en el ámbito de la fotografía creativa nos permite crear imágenes artísticas: añadir fuego o lluvia, darle un toque vintage o antiguo, e incluso introducir animales en la escena… La edición de imágenes es una posibilidad de desarrollo artístico y actualmente se reconoce como un arte digital.
Hay una gran variedad de programas de edición: Photoshop, Microsoft Digital Image, Adobe Lightroom.. Puedes encontrar desde programas gratuitos hasta programas de pago y puedes elegir el que más te convenga. Tienes que tener en cuenta que la edición depende exclusivamente de cada persona. Prueba efectos, experimenta con los programas de edición y decide cuál puede ser tu sello personal.
Los conceptos clave de la edición fotográfica están relacionados con la luz. Es importante saber qué cambios van a generar en tu imagen, para poder manipularlos a tu gusto. Estos 6 conceptos te ayudarán a empezar a editar fotos:
1. La exposición tiene que ver con la cantidad de luz que recibe el sensor de tu cámara
De esta manera tendrás fotos correctamente expuestas (con la cantidad de luz correcta), subexpuestas (por debajo de la exposición correcta) y sobreexpuestas (por encima de la exposición correcta). La exposición es una decisión estética, no todas las fotos deben estar correctamente expuestas. Modificar estos valores puede ayudarte a salvar una foto oscura, oscurecer una toma demasiado luminosa o simplemente darle un toque creativo.
2. El contraste es la diferencia entre los tonos claros y oscuros de una foto
Editando estos valores conseguirás imágenes más nítidas. En general, te ayudará a dar nitidez a tus fotos, resaltar contornos o conseguir efectos más artísticos.
3. Luces, sombras y cantidad de blanco y negro
Pueden parecer conceptos similares pero en realidad son cuestiones diferentes. Las luces se utilizan para controlar el brillo de las partes más expuestas de la foto. Lo mismo ocurre con las sombras, una herramienta que te ayuda a controlar la luz en las zonas menos expuestas. El balance de blancos y negros tiene que ver con la pureza de estos dos tonos. Modificándolos, conseguirás unos negros más puros o unos blancos más brillantes en tu foto.
4. Balance de blancos: temperatura y tono
Es importante realizar un correcto balance de blancos. La temperatura tiene que ver con la calidez o frialdad de una luz, y te permite corregir elementos que quizá no hayas tenido en cuenta en el momento de la toma. Con el tono puedes modificar la presencia de verdes o magentas en tu foto, y gestionar el predominio de amarillos (algo habitual en la fotografía digital). Puede ser una herramienta útil para producir efectos creativos.
5. Saturación
En la saturación gestionas la pureza de los colores, es decir, la cantidad de pigmento de un color. Utilizado sutilmente, los colores de tus fotos destacarán.
6. Claridad o nitidez en la edición de fotos
También puedes encontrarla como «estructura», dependiendo del programa. Esta herramienta trabaja con las diferencias de luz y sombra. Aumentar la nitidez ayudará a obtener más definición.
A la hora de editar las fotos siempre es una buena idea utilizar el formato RAW. Este es un formato de archivo que muestra todos los detalles de la imagen sin comprimirla y no hay pérdida de información. Otros formatos como el JPG hacen que la cámara aplique ajustes de balance de blancos, enfoque, contraste y saturación, además de comprimir la imagen.
En definitiva, si quieres ser un fotógrafo profesional, es imprescindible tener conocimientos de edición fotográfica. No sólo complementa tu perfil profesional y añade valor al trabajo que ofreces, sino que además te abre todo un mundo de posibilidades artísticas.
Por eso hay que tener en cuenta el factor artístico. Si puedes editar fotos, sólo tu imaginación marcará los límites. Sin duda, saber sobre edición de fotos y retoque digital te posicionará como un artista completo en el mercado fotográfico.
Los ámbitos comercial y editorial siempre necesitan profesionales de la edición fotográfica. Ahora sólo tienes que encontrar tu toque creativo para añadirlo a tus imágenes, como si fuera tu firma personal.
Para aprender, puedes unirte a un canal de Twitch de edición de fotos en directo y aprender viendo a un profesional. Puede ser muy divertido ver de primera mano cómo se trabaja una imagen. También puedes utilizar material teórico de libros o páginas web. Pero ten cuidado porque en la edición de fotos todo cambia y evoluciona rápidamente: asegúrate de que estás utilizando material actualizado.
5. Arte digital
También conocido como arte informático, arte multimedia y ciberarte durante los años 60 y 90, el auge de la World Wide Web dio a la dirección de arte un nuevo término: arte digital. El término arte digital es el más reconocido y puede utilizarse indistintamente con algunas diferencias. El arte digital describe las artes tecnológicas y se refiere a todo el arte computable que se crea, almacena y distribuye digitalmente. Cualquier estilo de arte tradicional puede pasarse al digital y, a veces, es una opción mejor según algunos artistas, ya que no tienen que comprar tantos materiales para pintar, dibujar, esculpir, etc. Hacer arte digital también permite corregir los errores más facilmente, ya que es fácil «deshacer» una acción. Los programas informáticos para creativos digitales han avanzado mucho desde los años 90 y actualmente cualquier persona con tecnología y conocimientos informáticos básicos puede utilizarlos para expresar su creatividad.
Al igual que su predecesora tradicional, la pintura digital requiere conocimientos de dibujo y diseño, así como software de pintura y tecnología para utilizarla. Normalmente se trata de un ordenador, un portátil o una tableta. La pantalla es como un lienzo durante el proceso creativo. El software de pintura tiene herramientas como el lápiz, el bolígrafo o el pincel, por lo que la pintura digital no se diferencia mucho del arte convencional. El trabajo digital puede verse a través de una pantalla, un monitor o un proyector, al igual que puede mostrarse en diferentes soportes y medios, como materiales impresos o vídeos.
Para dibujar arte digitalmente se necesita tecnología y software de pintura. Un par de programas populares utilizados para dibujar son Adobe Photoshop, Krita, Procreate y Artweaver, algunos de los cuales pueden descargarse gratuitamente. Estos programas ayudan a dibujar gráficos rasterizados.
Los gráficos rasterizados son imágenes compuestas por un número determinado de bloques de color, comúnmente denominados píxeles. Debido a este número fijo, si un archivo rasterizado se imprime a un tamaño mayor del que fue hecho, se verá peor. Los puntos que componen la imagen se ven forzados a parecer más grandes de lo que debían y la imagen resultante tiene un aspecto granulado y de baja calidad, mientras que los gráficos vectoriales se ven muy bien en cualquier tamaño. Por eso los archivos rasterizados suelen estar diseñados para medios más pequeños, como volantes, folletos, publicaciones en redes sociales, anuncios y otros.
Los gráficos vectoriales son imágenes realizadas mediante fórmulas matemáticas que crean puntos en un tablero de trabajo dentro del programa. Los programas para el diseño de imágenes vectoriales son Adobe Illustrator, Inkscape o CorelDraw. Los archivos vectoriales son más versátiles para ciertos tipos de tareas que los archivos rasterizados, porque pueden ampliarse y minimizarse fácilmente sin perder la calidad de la imagen. Esto es importante a la hora de crear obras de arte digitales para diferentes medios. Un logotipo de empresa guardado en formato vectorial puede cambiarse de tamaño para que quepa en una valla publicitaria o reducirse para imprimirlo en un bolígrafo o una tarjeta de visita. Muchos trabajos de impresión sólo pueden realizarse con gráficos vectoriales.
Las infografías bidimensionales son imágenes digitales generadas por ordenador, que se generan principalmente a partir de modelos bidimensionales (como modelos geométricos bidimensionales, texto e imágenes digitales) y mediante tecnologías específicas.
La infografía bidimensional se utiliza en aplicaciones que inicialmente se hicieron para las tecnologías tradicionales de impresión y dibujo, como la tipografía, la cartografía, el dibujo técnico, la publicidad y otras. Estos modelos se siguen utilizando en la creación de videojuegos, pero sobre todo en los juegos de mesa, como el solitario, el ajedrez, el mahjong y otros. También hay muchos editores de gráficos 2D especializados en determinados tipos de dibujos, como diagramas eléctricos, electrónicos y VLSI, mapas topográficos, fuentes informáticas, etc.
Adobe Illustrator, CorelDraw y GIMP, que también es un software de edición de fotos, son sólo algunos de los muchos programas disponibles para diseñar gráficos 2D. Otros programas más específicos, como Blender, Pencil2d y Animate CC, ayudan a crear vídeos cortos o largos de animaciones. Con estos programas, una imagen 2D no sólo representa un objeto del mundo real (como un boceto de un objeto, edificio o ser vivo), sino que también tiene un valor independiente que hace que estos modelos sean más fiables y fáciles de controlar que los modelos 3D, por ejemplo.
Los gráficos por ordenador en 3D (a diferencia de los gráficos por ordenador en 2D) son gráficos que utilizan una representación tridimensional de datos geométricos (normalmente cartesianos), que se almacenan en un ordenador y se utilizan para realizar cálculos y representar imágenes en 2D. Estas imágenes pueden almacenarse para su posterior visualización o mostrarse en tiempo real. En el software de gráficos por ordenador, la diferencia entre 2D y 3D es a menudo borrosa. Las aplicaciones 2D pueden utilizar la tecnología 3D para conseguir efectos como la iluminación, y las 3D pueden utilizar la 2D para renderizar archivos con imágenes fotorrealistas o no fotorrealistas a partir de un modelo 2D o 3D con la ayuda de un programa informático.
La infografía tridimensional se utiliza para:
- El modelado 3D cuando se convierte un objeto de la vida real en una imagen digital;
- La maquetación y la animación cuando se colocan objetos dentro de una escena;
- El renderizado 3D cuando un ordenador calcula la colocación de la luz, los tipos de superficie y otras características para crear la imagen.
Ejemplos reales de renderización 3D son la película «Toy Story» y el videojuego «Tomb Raider». Es como ver a través de una ventana un mundo tridimensional.
En conclusión, el arte digital se utiliza en muchos puestos de trabajo y es una de las habilidades que se requiere para dominar los nuevos medios es la creatividad. Si una persona es buena dibujando, haciendo bocetos o componiendo, cualquiera de estas competencias puede ponerse en práctica a la hora de crear arte digital. Se pueden descargar gratuitamente muchos programas de arte digital y utilizarlos como lo haría cualquier profesional.
En Youtube hay multitud de tutoriales para principiantes e Internet ofrece un espacio para crear comunidades y obtener ayuda. Las redes sociales ayudan a compartir las obras de arte y permiten descubrir nuevos talentos. VIvimos en un gran momento para que los creativos se adentren en las artes digitales.
6. Arte interactivo
La introducción de los ordenadores y la tecnología en la vida cotidiana de la gente ha cambiado muchas cosas y el arte tampoco ha dejado de evolucionar. Los artistas siempre buscan nuevas formas de expresarse y crear obras de arte que llamen la atención. Al integrar la tecnología en las obras de arte con la participación activa de su público ha nacido una nueva forma de arte.
El arte digital interactivo utiliza tecnología que se comunica con su público de forma directa y le permite participar en la obra. Por lo tanto, la obra de arte no expresa sólo la creatividad interior del artista, sino que también muestra el resultado de la colaboración entre el artista y el observador. La forma en que las personas interactúan con una obra de arte interactiva puede ser diferente: iniciando un sistema tridimensional o digital, participando en Internet, también haciendo un sonido o un movimiento. Por lo tanto, la obra de arte reacciona al espectador haciendo una interacción bidireccional. Si no hay una reacción a la obra de arte por parte de una persona o personas, todo el significado de la forma de arte se pierde y no se puede expresar.
El desarrollo del arte interactivo no surge de la nada, sino que incorpora muchas influencias de los primeros movimientos artísticos y experimentos entre el arte y la tecnología. En los años 70, los artistas buscaban nuevas formas de conectar con el público. Grupos de artistas como los dadaístas estaban muy entusiasmados con esta forma de arte porque no sólo llegaba al público, sino que requería una participación activa, haciendo que la gente pasara de ser espectadores pasivos a activos. En algún momento de la década de los 70, los creativos tuvieron que enfrentarse a la realidad de que su trabajo desaparecía al terminar. Esta fue la razón por la que empezaron a grabar su trabajo con vídeo. El videoarte utilizado originalmente para documentar se convirtió rápidamente en una forma de arte independiente. Más o menos al mismo tiempo, se popularizaron los experimentos de hacer arte con ordenadores y crearon una nueva dirección artística que se conoce como net art.
Cuando los ordenadores se hicieron más accesibles en los años 90 y más gente pudo tener uno en su casa, las mentes creativas descubrieron un nuevo medio para hacer arte. El net art (abreviatura de Internet art) es una forma de arte digital que suele ser, aunque no siempre, abstracta y basada en la World Wide Web.
Gracias a la interfaz interactiva que ofrece Internet, el net art no son sólo las imágenes que se suben a los blogs o a un sitio web, sino todo Internet tal y como lo conocemos. Para crear net art se pueden utilizar diversos medios basados en la red, como páginas web, proyectos de software originales, vídeo interactivo, audio o trabajos radiofónicos.
El arte interactivo está impulsado por el público, que puede interactuar con él y formar parte de la obra mediante actividades como caminar, escribir, sentarse o jugar. Hoy en día, muchos artistas interactivos exploran la tecnología y el arte de los nuevos medios para crear una participación aún mayor del público. Por ejemplo, los ordenadores y los sensores pueden responder a la temperatura, la proximidad y el movimiento para crear un arte lumínico inmersivo y una escultura cinética que responde al movimiento; una serie de sensores de movimiento puede activar un patrón de luces de colores que reflejan sombras rotas y multicolores en una pared; los movimientos de los bailarines que manipulan y distorsionan una tela de araña digital para crear efectos mágicos.
NIKE construyó una pista de atletismo a tamaño real en el centro de Manila con la forma de una huella de zapatilla de correr. Ocupó toda una manzana de la ciudad con una pista de 200 metros que tenía forma de ocho, y estaba recubierta de pantallas LED, en la que hasta 30 corredores podían participar en una carrera virtual contra ellos mismos con las nuevas zapatillas de correr compradas en NIKE.
Los artistas también han utilizado robots, láseres, proyecciones de vídeo, iluminación LED y actuadores mecatrónicos en formas de arte interactivo; por ejemplo, un zoológico de mascotas en el que una serie de criaturas de arte cinético interactúan y responden al público.
En el arte interactivo por ordenador, los espectadores y la tecnología pueden actuar juntos y crear resultados sorprendentes e inesperados. Por ejemplo, utilizando software de juegos e instalaciones ópticas ilusorias, se puede realizar una gran obra de arte de tres pantallas que permita a los visitantes navegar en el entorno de realidad virtual con un par de alas digitales para sumergirse completamente en el otro mundo.
Actividad 2
El arte digital va de la mano del arte interactivo y en esta actividad, el arte digital juega un papel importante. El juego consiste en que los elementos de la pantalla reaccionen al ruido de la sala. El éxito de la experiencia depende de la calidad del micrófono del dispositivo que se utilice para jugar. Es importante planificar con antelación y pensar en la tecnología y sus deficiencias a la hora de crear arte interactivo.
Escriba la siguiente dirección url https://bouncyballs.org/ en la barra de direcciones utilizando el motor de búsqueda (Google Chrome, etc.)
Se abrirá la página de abajo y… ¡podrás empezar a rebotar!
La actividad se puede llevar a cabo en cualquier dispositivo con conexión a Internet y un micrófono. Para una experiencia inmersiva utiliza un portátil con una pantalla grande y si es posible conéctalo a un proyector.
Puedes encontrar múltiples acciones en la parte derecha de la pantalla, empezando por la sensibilidad del micrófono (repercutirá en la capacidad de respuesta de la obra de arte digital), el total de obras de arte en pantalla y los diferentes temas y sonidos utilizados en la actividad. Poner música para una mayor interacción con el arte. Prueba también a dar golpecitos con los pies, bailar o aplaudir y observa cómo reacciona la obra de arte.
Es importante que el público tenga una experiencia de primera mano con el arte digital interactivo y que comprenda lo bien que funciona el arte junto con la tecnología, creando nuevas posibilidades para las personas artísticas y creativas.
